中央美术学院荣获丽水摄影节“优秀展览”奖！

摄影教研室负责人孙洋（右二）领取奖项

丽水摄影节各大展区

（图片来源：丽水摄影节微信公众号）

孙洋：非常意外！颁奖当晚我本来已经准备离开，突然接到组委会电话，问我是否还在现场，说我们获得了一个重要奖项。

“优秀展览”这个奖项鼓励高校和新锐影像创作者参与，组委会从创新性、文化价值与社会影响等多个维度进行评估。能够获奖代表了对我们学院学术水准、师生团队能力、策展理念、作品呈现的全面认可。

摄影教研室负责人孙洋在中央美术学院展区

孙洋：我认为最打动人的是每一件作品都根植于各自的生命经验、职业背景与长期关注的议题，形成了难以复制的个人印记。

这次参展的五位同学——陈晨、邓然、巩乐、刘国琨、李戈，每一位都是专升本改革实施以来具有代表性的毕业生。

巩乐是一名社区民警。我们鼓励他将警务工作中的观察与关怀，转化为有温度的视觉叙事。

巩乐参展作品《我是》

陈晨在医院教育处工作，在他的作品中我们引导他将医学的人文关怀与影像的纪实力量相结合。

陈晨参展作品《希波克拉底誓言》

邓然的职业是IT工程师。我们协助他建立起一套独特的“情感逻辑”，让技术背景成为创作的结构优势。

邓然参展作品《覆盖的爱》

发电厂工程师李戈的镜头在宏大工业景观与个人记忆之间反复对焦，构成了他对工业美学的理解。

李戈参展作品《秩序》

刘国琨是曾拍摄过宋佳等艺人的业内资深摄影师，我们鼓励他在创作中让商业经验反哺观念表达，本次参展他提交了毕业后的新创作，展开了一场影像实验。

刘国琨参展作品《动物时间》

总结来说，教背景如此多元的学生，关键在于：不是把他们变成“摄影师”，而是帮他们成为“用摄影表达的完整的人”。

孙洋：“Side C”的理念源于磁带A/B面之外“最独特的一面”。这与我们摄影教研室的教学目标完全契合。

比如巩乐虽然已经毕业了，但从自我身份的探索，到家庭与社区的记录，再到社区文化的研究，他的创作一直在成长，在拓展。

他为东城区朝内街道竹杆社区拍摄的“社区全家福”让摄影成为连接邻里的媒介，得到了东城区文联的关注。

作品不仅参加了《长江·城市序章跨媒体青年影像展》、《2024年FIAP世界摄影人大会》等多个重要展览，还在北京国际设计周举办了个人展览，能在这样的平台上举办个展，标志着他的创作达到了新的高度。

巩乐在北京国际设计周的个展位于北京市东城区内务部街27号

我们深信教学不应是整齐划一的模版，而是点亮不同个体特质的火花。为此，摄影教研室精心构建了多层次课程体系，真正践行因材施教。如果学生基础比较好，想追求学术高度与深度创作，我们研发过“燕山夜画”艺术摄影创作实践课程，教学着眼于创作实践与艺术语言转化，系统指导学生从观念到作品集直至展览展示的完整艺术实践。如果学生侧重技术与视觉表达，教研室开设了 “摄影视觉与创意高级研修”，其课程内容全面覆盖了从商业摄影、布光原理到传统黑白银盐暗房工艺的扎实技术训练。而对于教育从业者，我们曾开设 “央美艺坊”摄影教育师资研修班，聚焦于学科建设、课程设计及教学成果展示等教学法核心。在这里，我们每一门课程都致力于帮助学生聚焦观点、转化经验，最终让摄影成为表达自我、理解世界的独特语言。在专升本的课程之外，学生可以根据自身情况自由选择适合自身发展的学习路径，这种课内、课外相结合的模块化学习，别的学校很难做到。

孙洋：这是个很好的问题。技术与理念从来都是密不可分的。技术是逻辑培养，艺术是情感表达。在图像泛滥的今天，我们更要让学生感受影像的“物质性”。

学生欧阳彩霞的案例极具代表性。起初，她的创作仅聚焦于记录盲人的生活困境，希望以此唤起社会对残障人士的关注。我与她沟通时提出：“对残障人士的关注固然重要，这本身就反映着一个社会的文明等级。但艺术创作往往需要注入戏剧性——就像最打动人心的喜剧，多以‘笑着哭’的张力触动观众。”我以海伦·凯勒《假如给我三天光明》为例：“假如拥有三天光明”的假设视角，写下观察亲友、感受自然的渴望，这种视角转换极具感染力，从而进一步引导她：能否也尝试用“假设”视角重构表达？这一思路让创作逻辑发生转变，后续筛选表现手段时，“光绘”自然成为最优选择。最终，这次启发不仅让她的创作从记录困境转向表达对光明的渴望，更形成唯美画面背后藏着残酷现实的强烈对比，让作品更具深度与冲击力。

她的作品最终入选天津美术学院的展览，这正是技术与思想完美结合的结果。

欧阳彩霞作品《心相》

孙洋：这是我们教学体系的一个重要组成部分。我们将教学从教室延伸到展览现场，让二年级学生通过观展来学习。

姚璐教授、孙洋老师向专升本学生讲解作品

比如本次摄影节，摄影大师鲁夫在中国的首次大型展览就是最好的教学现场。学生不仅要看同龄人的作品，也要了解大师的创作，这样才能建立更全面的艺术认知。

专升本学生观看鲁夫作品

摄影教研室负责人孙洋与鲁夫及策展人

在现场教学中，我们会引导学生跳出屏幕看原作，直观感知作品的质感、装裱方式等“物质性”细节，同时结合课堂理论，拆解作品技术与表达的关联、系列作品的叙事逻辑。这种现场教学能够深化对影像语言的理解，突破单一观看视角，这是课堂教育无法替代的。

孙洋：专升本学生最宝贵的是他们丰富的人生阅历。我们的任务是引导、帮助他们把这些生活体验转化为艺术表达。

比如范萍萍关注30岁职场女性的生存状态，用艺术语言呈现具有普遍性的社会议题。

范萍萍作品《成为》

朱玉洁通过创作进行自我艺术疗愈，将个人成长经历转化为深刻的视觉表达。

朱玉洁作品《漫长的白日梦》

当学生遇到瓶颈时，我们更注重启发他们的思考方式。当转换思考维度后，技术表现力也自然得到了提升。创作突破往往来自于认知的转变。

孙洋：技术可以通过训练获得，我们更看重的是学生观察世界的视角和独立思考的能力。今年有位考生说他想通过海报设计来表达自我，这种明确的创作意向就很好。

学历只是学习过程的自然结果，真正的价值在于学生综合素养的提升和艺术视野的拓展。我们希望培养的是有思想的创作者，而不仅仅是技术操作者。

摄影教研室负责人孙洋与专升本学生在鲁夫展览现场

在现代社会对复合型、创新型人才需求愈发显著的背景下，多维度能力已成为职业发展的关键竞争力。在我们的学生身上，摄影艺术的习得与实践，远非职业路径之外的“点缀”，而恰恰是个人能力版图中重要的增值板块与突破支点，实现了艺术素养与职业技能的相互增益、彼此成就。

AI时代的到来，恰似再一次“迎向灵光消逝的年代”。本雅明曾指出，机械复制技术消解了传统艺术的神圣性；但与此同时，这一变革也打破了艺术的壁垒——让美变得触手可及，更让艺术从小众欣赏走向大众参与。这种历史对照，让AI时代的影像教育与传统摄影教育的差异，成为我们教育工作者必须深思的命题。或许我们不必遗憾“灵光”的远去：它从未真正消失，只是在胶片的颗粒与数字的信号之间，换了一种让人类与世界相遇的新方式。